Saul Leiter a réalisé ses premières photographies au début des années 1940 dans les rues de New York. Ce travail fut montré au Musée d’Art Moderne de New York en 1953 et en 1957. Pendant 20 ans il continua d’arpenter les rues, et son travail fut redécouvert bien plus tard, au milieu des années 1990. Il est aujourd’hui unanimement célébré. Pour la première fois en France, la Fondation Henri Cartier Bresson présente une rétrospective de son œuvre couleur et noir et blanc.

Saul Leiter a saisi un entre-deux-mondes délicat à mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet. Un monde flottant, embué, dans une succession infinie de mises en abîmes, tendant volontiers vers l’expressionisme abstrait de ses peintures. Ses images métamorphosent la réalité pour créer un univers à la fois poétique, onirique et apaisant, sur lequel plane la douceur de la mélancolie.

Des photographies qui me touchent particulièrement. De ces auteurs qui vous motivent et que vous pouvez prendre comme un modèle, un moteur..

Souvenirs d’enfance, morceaux de mémoire flous et nets, brouillards et impressions, perceptions diffuses.. Noir et blanc vaporeux, noirs profonds et gris au spectre large… vraiment un coup de coeur… Je vous laisse découvrir…Un lien vers son site, d’abord.

 Qui?
Né dans l’Ohio en 1963, ce photographe, qui vit avec sa famille dans le Montana, raconte que les nouvelles et les chansons constituent une source importante d’inspiration pour son travail.

Pourquoi?
Les photographies de Meeks ressemblent à un monde qui ne serait qu’un long après-midi d’été. Ses images ont un caractère intemporel, comme des contes ou des souvenirs d’enfance. «Ma seule intention est d’enregistrer le moment et le lieu», explique-t-il. Cette exposition s’intitule Sound of Summer Running. Le titre est venu à Meeks après qu’il eut écouté Ray Bradbury lisant l’une de ses nouvelles. Il marque l’idée du temps qui s’écoule et notre incapacité à rester immobiles. «C’est la raison pour laquelle je photographie ma famille», raconte Meeks. (source : Fisheye, malheureusement plus mis à jour..)

Un article dans le dernier ‘Réponse Photo’ pour une exposition jusqu’au 28 Mars de Ueda (et Lartigue) à la Galerie Camera Obscura. Et puis, une exposition, qui vient de son musée et tourne en Europe depuis près de trois ans, à la MEP jusqu’au 30 Mars, montre aussi d’autres aspects de son travail.

Touché par nombre de ses très beaux noir et blanc, je laisse ci-dessous quelques mots sur sa vie et son travail.

Entre les deux courants esthétiques prisés au Japon au début du 20e, le pictorialisme dit “Art Photography” (très prisé dans les années vingt) et la photographie avant-gardiste dite “New Photography” (apparue dès les années trente), Ueda ne fera pas de choix. Il s’essaiera à l’un comme à l’autre, pour finir par trouver sa propre voie, unique et originale.

Né dans la province de Tottori, où un musée lui est aujourd’hui dedié, le photographe restera attaché à sa région d’origine presque toute sa vie. Dès 1939, il utilise la photographie pour développer sa propre vision des choses. Il décide alors de faire poser quatre fillettes sur le sable des dunes de Tottori et en fait une prise de vue de type panoramique. La décision de procéder à une mise en scène particulière et le choix des dunes comme décor pour son travail auront une grande importance dans son oeuvre car il ne cessera dès lors de placer minutieusement ses sujets et de se passionner pour cet espace aux allures lunaires. De cette prise de vue naîtra ainsi, après-guerre, une de ses séries les plus connues: “Le Théâtre des dunes”. Ueda fait alors poser sa famille, des connaissances ou même divers objets dans l’environnement minimal et onirique des dunes. Il joue avec beaucoup de finesse le rôle de metteur en scène et travaille minutieusement ses compositions ainsi que les perspectives. Dans une large mesure, c’est grâce à ce travail empreint d’une douceur et d’un humour très poétique que Ueda devint célèbre au Japon et ailleurs. A l’image de cette dernière série, tout le reste de son parcours est riche en découvertes, expérimentations et d’une indépendance d’esprit qui le rend si particulier aux yeux de ses compatriotes. D’ailleurs, bien qu’il ait fait partie de plusieurs photo-clubs (lieux privilégiés d’échanges et de création pendant l’entre-deux-guerres), participé à différents concours et publié ses travaux dans divers magazines, Ueda s’est peu à peu détaché de toute influence extérieure et a réussi à créer son propre univers, son propre style. Ouvert et intéressé par les nouveautés techniques et esthétiques tant en matière d’art que de photographie, Ueda peut donc tout aussi bien être assimilé à la culture japonaise qu’à la culture européenne.

l succombe à un infarctus le 4 juillet 2000.

Télérama (nombreuses photos à découvrir), Le Monde, L’Humanité en parlent.

Et puis en cherchant, farfouillant j’ai trouvé des liens..

-Liens vers des présentations de ses travaux par période (pop-up) : 1929-1940 , 1945-1951 , 1950’s , 1955-1970 , 1970-1985 , 1972-1973 et les années 80 - 90 ;

- et un lien,  vers Goutte de Rosée de Shiro Sano.
Il s’agit d’un hommage au photographe. Le début et la fin sont en prise de vues réelles entre les deux une succession de photos, avec comme bande son de la musique et surtout des petits dialogues essayant de traduire les expressions des hommes et femmes qui apparaissent sur les photos. C’est une jolie ballade nostalgique.  C’est un lien direct vers le site officiel Toei Animation (en japonais) qui produit ces Ganimés, poémes cinématographiques.

Né en 1941 en Belgique, Harry Gruyaert débute sa carrière dans les années 1960 comme directeur de la photographie pour la télévision flamande. En 1965, il fait son premier voyage au Maroc où il retournera pendant près de vingt ans. Parallèlement, il poursuit son travail sur la Belgique, dont il publiera Made in Belgium, en 2000. En 1972, il s’installe à Paris. Il reçoit le premier prix Kodak de la critique photographique en 1976, et poursuit ses voyages, notamment en Égypte, en Inde, au Viêt-nam, au Moyen-Orient, au Yémen, en Chine et en Italie. Des rivages de la mer du Nord aux rues du Caire, des étendues de la baie de Somme aux paysages marocains, il poursuit un même but : capter la subtilité de la lumière et la force de la couleur. Harry Gruyaert est membre de Magnum photos depuis 1981.. Il reçoit le premier prix Kodak de la critique photographique en 1976, et poursuit ses voyages. Schrimer-Mosel publie Morocco en 1990, un livre qui fait date. Robert Delpire a publié en 2000 Made in Belgium. Publié pour la première fois en 2003, voici une nouvelle édition du livre culte d’Harry Gruyaert, ‘Rivages’, fort d’une quinzaine de nouvelles photographies, réalisées notamment pour le Conservatoire du Littoral. Se faire une idée en suivant ce lien.

Suivez ce lien pour découvrir les lauréats de cette année… Du très très beau, touchant, souvent effrayant quant au regard sur notre Terre.

En photo d’actualité, je me suis arrêté sur le travail de Cédric Gerbehaye de l’agence Vu. De très beaux n&b, pleins de vie et de mouvement, saisissants…

Finir enfin en proposant un lien vers un site anglais, documentography, permettant de découvrir le travail free-lance de quelques photographes talentueux, ici.

 ” Not for sale

Qu’y-a-t-il de commun entre l’arme qui a tué Rabin et celle qui a été utilisée dans le massacre de Columbine ? Les armes qui circulent en Sierra-Leone et en Irak ? Des radiographies de ces armes sont le thème de l’exposition d’Hady Sy. On peut y voir les armes utilisées dans différents conflits, dans différents assassinats ou tentatives d’assassinats de militants pour la paix, et de personnalités victimes d’actes de violence gratuite. L’exposition nous transporte de Tchétchénie en Iran, du Darfour au Moyent-Orient, de Bosnie en Virginie, et nous nous retrouvons face à ces outils de destruction qui ont mis fin aussi à la vie de Martin Luther King, John Lennon ou Gandhi.
Hady Sy est photographe plasticien, d’origine Sénégalo Libanaise. Il réside à New York . Ces radiographies ont été faites en collaboration avec la Police Judiciaire belge de Gand, mais également grâce au service de l’imagerie médicale (du professeur Vallée et du Docteur Le Breton) de l’Hôpital Raymond Poincaré de Garches, du Musée de l’Armée et de la clinique Cuignez.
Commande du Centre National des Arts Plastiques - Ministère de la Culture et de la Communication.

Interview

Hady Sy, Français d’origine libanaise par sa mère, sénégalaise par son père, a été élevé dans le respect des autres, de leurs religions, de leurs différences. Toutefois, jeune étudiant, il dut faire face à la guerre civile de Beyrouth, à la violence, à la mort. ” Quand j’allais au lycée, je devais courir pour traverser la rue. J’entendais des détonations d’armes avant d’aller au lit. Un homme a été achevé devant moi. Les armes ont un son, une odeur qu’on n’oublie jamais. ”
Après avoir été menacé de mort lors d’une prise d’otage, il fut envahit par ” l’image de l’arme fatale pointée sur son front “. Dès lors, il usa de tout son talent de plasticien et photographe pour exorciser son dégoût et sa fascination des armes. Le projet ” Not for sale “, commencé en 1998, est un dictionnaire raisonné des armes les plus récurrentes et les plus meurtrières depuis la première guerre mondiale. On peut donc voir, à l’Eglise des Dominicains l’arme qui a été utilisée dans le massacre de Colombine, celles qui ont tués Martin Luther King, John Lennon ou Gandhi. Après de nombreuses démarches qui l’ont conduit auprès d’Interpol, du service d’imagerie médicale, du Musée de l’Armée, de la police judiciaire belge, Hady retrouva les principales armes et analysa leurs caractéristiques, leurs performances. ” J’ai souffert avec ce projet, car les armes, tu veux pas les voir, les toucher, les tenir ; ça me donnait mal au ventre “. Une personne sur neuf détient une arme. Hady insiste sur leur puissance, à quel point elles peuvent changer les gens, leur donner un pouvoir. “ Les vrais dieux sont les armes. Elles décident de la vie et de la mort. Elles sont immortelles, elles restent après avoir tué quelqu’un. Elles se baladent partout dans le monde. Ce sont des virus informatiques. Elles se développent, et on ne peut plus les gérer. “
Hady Sy est très fier d’être exposé à Visa pour l’Image et de présenter un travail sous une forme différente : un catalogue quasi-publicitaire des armes, qu’il a radiographié pour mieux annihiler la terreur qu’elles inspirent.

Marion Mozzi “                                                       Article  copié collé d’ici.

 Et retrouvez en suivant ce lien une interview vidéo de l’artiste, son travail, son inspiration…

 A découvrir… ses portraits affichés sur des surfaces choisies, constituent pour moi une forme d’art de la rue.. activisme et message en plus..

”

JR a 25 ans et possède la plus grande galerie d’art au monde. Il expose librement dans les rues, attirant l’attention de gens qui ne sont pas les visiteurs habituels des musées.

Son travail mélange l’art et l’action, parle d’engagement, de liberté, d’identité et de limite. Il se qualifie d’artiviste, concentré d’artiste et d’activiste.

Après un tour du monde de l’Art de rue (Carnet de Rue, ed. Free Press), il s’installe à partir de 2004 au coeur des cités des Bosquets à Montfermeil et de la Forestière à Clichy-sous-Bois. L’année suivante, il y conçoit “Portrait d’une génération“, portraits des jeunes de ces quartiers qu’il colle, en format immense, dans les anciens quartiers populaires de Paris (Portrait d’une génération, ed. Alternatives).

Les photos sont prises très près de la personne. Il utilise le noir et blanc pour créer une différence avec l’agression publicitaire en couleur.

En Mars 2007, il réalise avec Marco le projet Face 2 Face, la plus grande expo. photo illégale au monde : huit villes israéliennes et palestiniennes et la Barrière de sécurité / Mur de séparation des deux cotés. Ils collent ses immenses portraits de Palestiniens et d’Israéliens face à face. A travers ce projet, JR a montré que l’Art pouvait faire reculer les limites du possible.

Avec son objectif 28 millimètres, des gens qui font des grimaces, des posters immenses et son anonymat, le photographe ne donne pas d’interprétations et laisse un espace libre pour une rencontre entre un sujet/acteur et un passant/interprète. Par la surprise et la question que JR soulève, chacun peut réviser ses habitudes de pensées et se libérer des stéréotypes et des préjugés.
C’est sur cela que JR travaille. Poser des questions…”

Extrait du site de l’artiste : ici… 

Vous pouvez découvrir ci dessous une photo que j’ai prise à Venise en août 2007 à l’occasion de la Biennale.